Largometraje

La flaqueza del bolchevique

Detalles: Publicado: Martes, 24 Junio 2014 15:00; Escrito por Super User

FICCIÓN - LARGOMETRAJE

El objetivo de la fotografía de la flaqueza era construir un mundo que representara la condición moral del protagonista Pablo. Que esta condición se extendiera a los lugares que iba o en los que estaba. Para ello decidimos utilizar una entonación amarillenta para toda la película, entonación que era mayor o menor según las secuencias. Esta entonación, en aparente contradicción con los días grises y lluviosos del otoño en los que transcurre la película, daba una sensación irreal a Madrid; de forma que creo conseguimos prolongar la mirada de Pablo más allá de sí. Este fondo amarillo era aplicado de forma distinta a sombras, medios tonos o altas luces. ¿Por qué el amarillo? En el Diccionario AKAl del color encontramos lo siguiente. (Los subrayados son míos): "Este color posee, además, una significación secundaria que se vincula complementariamente a la idea del comienzo de la decadencia y de la decrepitud. En este sentido, el amarillo evoca, sobre todo, el verano (los campos ya agostados) y el inicio del otoño (las doradas arboledas de hoja caduca). En este contexto significativo, llega a sustituir al negro en la expresión del presagio de la muerte..." y más adelante "el amarillo se relaciona con los grises amarillentos, los pardos verdosos y los ocres, expresando conceptos como la debilidad espiritual o la traición." "Por consiguiente, la significación del amarillo ha llegado a nosotros con una fuerte y ambigua carga simbólica de inmortalidad, poder, magnanimidad y libertad, en sus aspectos claros; y de transgresión, cobardía, traición y muerte, en sus aspectos oscuros". En otro sentido y para construir ese único mundo de Pablo, en la oficina, por ejemplo, dejamos el exterior sobreexpuesto, sin apenas detalle, casi como muros blancos que rodean a Pablo, un mundo exterior que no existe a su mirada. Para la niña, la condición fotográfica venía determinada por poder captar en su plenitud la belleza de la misma, ver en su cara todo lo que el personaje lleva dentro de transparente; para ello recurrimos a una iluminación muy suave, casi siempre frontal y el uso de filtros, classic soft de Scheneider y promist de Tiffen combinados en diferentes grados con focales largas y alturas de cámara convenientes.

Etalonaje Secuencia Etalonaje Planificación Rodaje

El regalo de Silvia

Detalles: Publicado: Martes, 24 Junio 2014 15:00; Escrito por Super User

FICCIÓN - LARGOMETRAJE

En el regalo se presentaban cuatro historias, una de ellas a modo de eje central de las cuales las otras partían, estas últimas no tenían conexión entre ellas si no era por comenzar desde la primera, esta relata, a modo video diario, la decisión de una joven adolescente de suicidarse y donar sus órganos. Esta historia central quisimos que se asemejara a la textura de los videos caseros, para ello y después de diversas pruebas (ver artículos), optamos por el betacamSP analógico trabajando los encuadres y posiciones de cámara como un aficionado. En etalonaje ajustamos los negros y mezclamos los campos. Por contraste con esta textura se sitúan las otras tres historias rodadas en HD, estas requerían un tratamiento distinto cada una si bien en conjunto no podía romperse la coherencia fotográfica de la película, esto fue, si acaso, lo más complicado. Las tres situaciones las establecí visualmente de la siguiente manera:

a) la historia del obrero en paro que recupera su corazón: colores poco saturados, una iluminación con dominantes, amarillentas/anaranjadas en el interior de la casa y con dominantes verdes propias de fluorescentes y lámparas de descarga en la fábrica de pizzas. Encuadres bastante simétricos con poca profundidad, relativamente planos, con la cámara siempre ligeramente por encima de los ojos de los actores y el uso de focales relativamente largas. La intención transmitir al espectados cierta monotonía en la vida de esta familia, cierta "fealdad".

b) La historia de la joven ciega que recupera la vista. Aquí busqué un contraste entre el interior de su casa, en penumbra y donde la oscuridad juega un papel importante como recuerdo de la ceguera, por otro lado, el exterior, luminoso y brillante lleno de color. La cámara permanece aquí siempre a la altura de los ojos de los actores con encuadres limpios y equilibrados dinámicamente. La iluminación en general es suave y poco contrastada.

c) La historia del macarra. Acentué en los encuadres la perspectiva dando mayor fuga a los fondos, bajando ligeramente la cámara y contrapicando. La iluminación es mas contrastada, la oscuridad ya no es tanto penumbra como en la historia b) cuanto negro profundo. La óptica utilizada entraba dentro del rango de los angulares. Quería dar una impresión más agresiva en su conjunto.

La coherencia fotográfica de toda la película salvaguardando las características propias de cada historia la obtuve a base de usar ciertas entonaciones de color en las tres historias. Este proceso se realizo en su mayor parte en el etalonaje de la mano de Sergi en Image Film Barcelona.

Diseño de luces Rodaje

Carlos contra el mundo

Detalles: Publicado: Martes, 24 Junio 2014 15:00; Escrito por Super User

FICCIÓN - LARGOMETRAJE

El desarrollo de la fotografía de la película se asentó sobre tres pilares; uno, la presión que sobre Carlos efectúa toda la familia y especialmente la madre, que mediante el chantaje permanente pone a Carlos en la necesidad de demostrar su valía. Estas relaciones "oscuras" entre madre e hijo las plasmamos en imagen presentando los espacios (Casa, almacén, tienda etc.) pequeños, fríos y en algunos casos, como la casa materna, oscura, una casa de barrio de las construidas en la periferia a partir de los años 60, con ventanas que están al lado de las farolas de alumbrado que inundan las habitaciones de luz por la noche y por las que durante el día nunca entra la luz del sol directamente, sino rebotada en las fachadas de enfrente. La casa se construyó en decorado con las paredes movibles para que pudiéramos usar lentes de focal larga, en realidad toda la casa esta prácticamente rodada con el 24mm. El segundo pilar es la noche en el barrio, lugar y tiempo donde Carlos sueña con ser y tener lo que no puede. Por ello y sin salirnos del carácter propio del barrio intensificábamos la luz (mediante cuarzos de 2Kw y fotolitas de 250w) de las farolas, creando una luz exageradamente coloreada que daba cierto aspecto irreal a las noches. Las entonaciones Verde-amarillentas, las naranjas y los magentas (con filtros Calcolor de Rosco) constituyeron la paleta de color "nocturna" Por ultimo, el tercer pilar, el día, en contraste con los otros dos pero como continuación de estos, tenía más color pero nunca tanto como para parecer el día brillante, estridente o lleno de luz. El día es también una prolongación de las aventuras nocturnas de Carlos y la presión/opresión que la familia ejerce sobre el. En definitiva se intentaba conseguir una película "oscura" con una gran cantidad de penumbras que construyeran el mundo agobiante e indeciso de Carlos.

Siendo Carlos contra el mundo la segundo película rodada en el sistema HDCAM en España (la primera había sido Lucia y el sexo) no pudimos contar todavía con ópticas de alta calidad diseñadas para HD, de forma que optamos por lo mejor que entonces había en el mercado español, la serie EJ de canon que yo había ya usado en otras producciones en betacam digital. El resultado en este formato era excelente, pude comprobar que en HD las aberraciones de las lentes eran mas notorias especialmente la aberración cromática que sobre todo en los angulares era realmente inaceptable.

Etalonaje Rodaje

Mamá es boba

Detalles: Publicado: Martes, 24 Junio 2014 15:00; Escrito por Super User

FICCIÓN - LARGOMETRAJE

Normalmente el espectador de una película valora la fotografía de la misma desde un punto de vista esteticista y nunca narrativo, si bien los directores de fotografía sabemos que la buena fotografía reside en su carácter precisamente narrativo, donde forma y contenido son inseparables, y no la apariencia bella o hermosa de la imagen. Las apuestas esteticista en la fotografía cinematográfica solo llevan al ocultamiento de la narración, de su discurrir y desarrollo. Mama es Boba fue una interesantísima propuesta de Santiago Lorenzo para crear una estética de lo feo, una estética que no niega la belleza y su forma vigente sino que simplemente la desconoce. Esto permite acercarse a los personajes no desde un punto de vista irónico, crítico o burlesco sino con cariño y compresión. Así junto con la decoración y el magnifico vestuario conseguimos hacer un discurso visual donde lo mezquino se convierte en cómico y donde la maldad con letra pequeña se convierte en farsa. Dos ambiente en la película. Por un lado el exterior de Teleaqui, donde los espacios pequeños, pobremente iluminados y amarillentos/anaranjados van mostrando a los personajes en sus muy inocuas ambiciones. Por otro lado Teleaqui, lugar de sombras duras, mayor contraste y casi diría que surrealista, donde la ambición se vuelve farsa. El mundo de teleaqui solo existe en la mente de la protagonista y es por ello que la iluminación tiende a ser puntualmente brillante y contrastada (por ejemplo en los despachos). Los exteriores de la película son pobres de luz, con cielos cubiertos, de noche o a últimas horas del día, prolongando así la sensación de los interiores de la casa.